Кто вы по образованию и как складывался ваш путь в профессии?
Я окончил в ГИТИСе факультет режиссуры эстрады и массовых представлений. Затем 10 лет работал актером в уникальном коллективе театра пластической драмы Гедрюса Мацкявичюса. Там же мной был поставлен дипломный режиссерский спектакль. Актерский опыт и опыт специалиста по пластике я приобрел там.
Когда театра не стало, мне приходилось работать в качестве режиссера и педагога по пластике, принимать участие в постановках театрализованных представлений, драматических спектаклей, шоу, мюзиклов, концертных номеров.
В 1997 году в анимационной студии «Пилот», которую организовал известный режиссер и аниматор Александр Михайлович Татарский, автор анимационных фильмов «Пластилиновая ворона», «Падал прошлогодний снег», «Следствие ведут Колобки», задумали производство проекта телевизионного формата. До этого студия делала только анимационные фильмы в 2D. Татарский придумал передачу «Чердачок братьев пилотов». Братья пилоты — это Шеф и Коллега, герои серии его мультфильмов «Следствие ведут Колобки», которые в роли ведущих должны были общаться с гостем о его детстве. Совмещение приходящего к ним на чердачок реального человека и 2D-персонажей было невозможно. Так возникла идея о том, чтобы сделать братьев пилотов трехмерными.
Анимационное производство — это долгий кропотливый путь. Выработка аниматора даже сейчас, в эпоху компьютерной анимации, — это три секунды готового продукта в неделю. Передача «Чердачок братьев пилотов» должна была выходить форматом 24 минуты. Нельзя делать год серию телевизионной передачи. Было решено использовать технологию захвата движений (motion capture), которой тогда у нас в стране еще не было. Принцип работы motion capture следующий: на актера надевается костюм, на котором расположены датчики, считывающие движение человека. Так трехмерные компьютерные персонажи оживают посредством движения актеров. Были найдены средства для приобретения технологии, и программа вышла в эфир канала ОРТ. С тех пор в России существует технология motion capture.
Меня пригласили в проект как исполнителя. С одной стороны, я начал работать как актер, а с другой стороны — как аниматор, потому что пришлось управлять виртуальными анимационными персонажами.
Научитесь анализировать движения в жизни и в работах других аниматоров, чтобы движения ваших персонажей были более точными. Разберетесь в основах актерского мастерства, чтобы передавать характер и эмоции.
Кто учил вас работать с этой технологией и в чем специфика работы с актером в motion capture костюме?
Оборудование для захвата движения было закуплено у французской компании, приезжала команда из Парижа, которая и показала, как на нем работать и как управлять виртуальными персонажами посредством этой технологии. Это был десятидневный курс, потом они уехали, и, конечно, опыт приобретался уже по ходу действия проекта.
Со временем motion capture стал более популярным. Особенно, когда в 2009 году вышел фильм «Аватар». Тогда уже было понятно, как работает эта технология, но в 1997 году было необычно производить такой продукт.
Motion capture преимущественно используется для работы над персонажами в стандартных человеческих пропорциях. В анимации мультяшной, как правило, эта технология не применяется. Нам же предстояло анимировать совсем не реалистичных героев. Шеф и Коллега — это персонажи, у которых голова — огромная сфера, тело — цилиндр, короткие ножки без колен, ручки, которые не сходились, похлопать никак было нельзя. Они совершенно были не мокапные. Приходилось на таких необычных задачах приобретать опыт.
Как давно вы преподаете и что есть предмет вашего преподавания?
В 2007 году, незадолго до того, как Александр Михайлович покинул этот мир, он сказал: «Сереж, ты выступаешь в студии в двух лицах: как актер и как аниматор. Не хотел бы ты преподавать?» На студии «Пилот» всегда были курсы аниматоров. Многие мэтры сегодняшней российской анимации — выпускники этих курсов. Татарский предложил мне вести актерское мастерство, связанное с движением, пластикой, отыгрыванием актерских задач, но для аниматоров.
До этого актерское мастерство аниматорам нигде не преподавали. Пантомиму — да. Илья Григорьевич Рутберг, актер и театральный режиссер, был специалистом по пантомиме, он написал много материалов по этому жанру. Я в свое время учился по его брошюрам. Аниматоры передавали свой опыт работы с мимикой, липсингом из рук в руки, но выражаться через тело, пластику, биомеханику никто не учил. Я стал преподавать на этих курсах, но сформированной программы не было, мне нужно было по ходу что-то предлагать, погружаться в профессию, разбираться, из чего она состоит и как актерское мастерство адаптировать именно для аниматоров.
Через пару лет я начал преподавать в школе-студии анимационного кино «ШАР» и в Scream School на факультете анимации. Александр Петров предложил мне приехать в Ярославль, у него там своя студия и студенты, которые помогали ему в разных проектах. По выходным я ездил к ним преподавать. Так и набирался опыт.
Моя программа построена в основном на практике. Актерская игра анимационных персонажей передается в первую очередь через движение, а потом уже через мимику, поэтому аниматорам нужно хорошо разбираться в пластике. Мы не говорим сейчас про животных, у них другая конструкция, это отдельная история. Но если нужно оживлять человекоподобных персонажей, то тут нужно понимать, через какие движения, реакции, позы передается в теле та или иная эмоция. Так как я все-таки специалист по пластике, не по мимике, нужно было разобраться и в лицевой анимации: какие эмоции выражаются через брови, глаза, губы.
В Bang Bang Education я записал лекции в школьной студии. Это мой первый подобный опыт, в котором я не вижу реакции студентов. Надеюсь и в этом формате быть полезным для ребят, которые пытаются освоить профессию аниматора.
Что такое актерская игра в анимации и чем она отличается от мастерства актера в кино и театре?
Я не учу аниматоров тому, как работать на сцене, хотя рекомендую, если есть возможность, посещать актерские курсы, участвовать в театральных группах. Это в любом случае приносит опыт раскрепощения и сталкивает с репетиционным процессом, с режиссером.
Анимационный персонаж тоже актер. Только не он сам играет свою роль, а аниматор проигрывает за него.
Аниматору нужно освоить ремесло, актерскую игру и использовать свой личный опыт. Нужно понимать законы физики, учитывать массу тела, объекта и инерцию. Разбираться в изобразительном искусстве, музыке и ритме. Это универсальная комплексная профессия, наверное, даже сложнее, чем актерская. Потому что актер — сам инструмент. За него играют музыку, шьют костюмы, подготавливают реквизит, ему только нужно с этим освоиться. А аниматор должен все продумать и сделать за персонажей.
Аниматор придумывает жизнь своему герою, он воображает ее, как и актер. «Если бы» — магическая формула Станиславского, которая является ключом к актерской профессии. Если бы ты был в шкуре этого персонажа, оказался в то же время в такой же ситуации, что бы произошло с тобой? Как бы ты себя повел? Нужно представить, вообразить, поверить и сделать — так работает актерская схема. И у аниматора она работает так же, разница только в том, что сначала он понимает, что происходит с персонажем на себе, а потом уже передает эту работу тела персонажу.
Почему вы преподаете? Что вам важно передать студентам?
Сегодня режиссеров анимации больше, чем аниматоров. Нужны специалисты, чтобы реализовывать проекты. Открывается много анимационных студий, а исполнителей нет. Будем считать, что это моя лепта в подготовке кадров для нашей анимационной индустрии. После окончания обучения приходит понимание, что это очень сложное дело. Моя статистика такая: из всех людей, которые вдруг увлеклись анимацией, окончили курсы в том или ином учреждении, остается в профессии процентов десять. Анимация — это классно в результате, но сам процесс довольно трудоемкий. Многим не хватает усидчивости, упорства. Зато, когда начинает получаться, когда в твоих руках оживает персонаж, это ощущается как чудо.
