Почему стиль — это не главное
Многие иллюстраторы говорят, что дело не в стиле, что стиль — это путь, не цель. В отличие от файн-арт-художника, иллюстратор — это человек, у которого есть сформулированный язык, которым он пользуется, и за которым к нему приходит заказчик.
Однако на то он и язык, что появился в процессе какой-то работы. Стиль можно сравнить с тем, как мы общаемся. Мы говорим так, потому что прочитали энное количество книжек, пообщались с энным количеством людей, может быть, сами написали что-то, и в итоге родился наш язык как способ диалога с миром.
В иллюстрации происходит то же самое. Ты впитываешь в себя то, что видишь, общаешься с миром других художников-иллюстраторов, смотришь, как это в тебе откликается, бесконечно много делаешь сам, и в какой-то момент появляется вокабуляр, которым можно пользоваться от иллюстрации к иллюстрации.
Что развивать вместо стиля
Стиль — динамичная штука. Нет момента, когда ты такой: «Ну, все, я нашел свой стиль, ни с кем не разговариваю, ничего не смотрю, ни в коем случае не повлияйте на меня». Ты к чему-то приходишь, потом начинаешь быть этим недоволен, это уже не отражает то, как ты чувствуешь и как ты воспринимаешь мир.
Для иллюстратора идеально, когда он рисует по-разному, но всегда остается собой. Взять, например, художника, очень известного среди любителей комикса, — Лоренцо Маттотти. Он работает в абсолютно разных техниках, но всегда узнаваем. У него есть личный способ вести разговор со зрителем, который угадывается, возьми он тушь, краски и что угодно еще. Если ставить стиль как самоцель, то мы рискуем стать одинаковыми иллюстраторами, которые все выберут какой-то стиль и будут в нем рисовать. Прекрасно быть разными.
Какие могут быть приемы
Я много работаю с пластическими ходами: люблю пластически завернуть своих персонажей и композицию. Мне нравится создать в иллюстрации небольшую путаницу. Какую-то, может быть, не суперочевидность, когда в рисунке надо побыть, порассматривать.
Кроме того, я люблю текстуры. И, даже если работаю предельно четко, все равно использую масляные, сухие пастели. Мне нравится комбинировать, воссоздавать дрожь пространства за счет того, что есть звонкая линия, а есть размытые пятна. Что-то я заставляю приблизиться к зрителю, а что-то увожу в размытость.
Откуда брать идеи
Я вдохновляюсь жизнью. Всем, что смотрю, читаю, думаю. Людьми, которые вокруг тоже что-то смотрят, читают, думают. В последнее время на меня в меньшей степени влияют работы других иллюстраторов. Ощущение, что я уже видела их так много, что теперь на меня влияют очень смежные вещи.
Вдохновение также можно брать из книг, сказок, мифологии. Есть литературоведческая методология. Ей много пользуется, например, художник Виктор Меламед, когда перекладывает различные тропы в иллюстрацию. Метафора, гипербола, рифма, поэзия и хокку хорошо ложатся в рисунки, потому что иллюстрация — это тоже язык.
Удивительным образом тело вычеркнуто из жизни художника, хотя именно с помощью рук иллюстратор создает свои работы. Мне кажется, что танец может кардинальным образом поменять работу рисовальщика. К примеру, линии можно проводить кистью, а можно включать в процесс всю руку. Исследовательница Сюзан Ли Фостер анализировала способы репрезентации различных тем в танце. Я брала эти методы и перекладывала их в иллюстрацию. Получилась интересная оптика.
О чем важно помнить
Нельзя думать, что вы просто рисуете красивые картинки, чтобы люди поставили вам лайк. Нужно быть частью этого мира, включать все его богатства в свою работу. Иллюстрация — это оптика, через которую вы продолжаете смотреть на мир и не теряете в этом связь с собой. Тогда и возникает что-то свое. Когда вы начинающий иллюстратор, и вам присылает референсы арт-директор — нужно иметь смелость идти в этом направлении, но предлагать чуть больше себя. Потому что иначе можно оказаться фрустрированным и растерянным, столкнуться с вопросом: я рисую иллюстрации, а где в них я? В любой путь можно и нужно брать багаж собственного чувственного восприятия мира.
